Школа авангард дизайн: Домен не добавлен в панели

Содержание

Школа-студия АвангардДизайн Московского государственного академического художественного института им. В.И. Сурикова

Высшее образование онлайн

Федеральный проект дистанционного образования.

Я б в нефтяники пошел!

Пройди тест, узнай свою будущую профессию и как её получить.

Химия и биотехнологии в РТУ МИРЭА

120 лет опыта подготовки

Международный колледж искусств и коммуникаций

МКИК — современный колледж

Английский язык

Совместно с экспертами Wall Street English мы решили рассказать об английском языке так, чтобы его захотелось выучить.

15 правил безопасного поведения в интернете

Простые, но важные правила безопасного поведения в Сети.

Олимпиады для школьников

Перечень, календарь, уровни, льготы.

Первый экономический

Рассказываем о том, чем живёт и как устроен РЭУ имени Г.В. Плеханова.

Билет в Голландию

Участвуй в конкурсе и выиграй поездку в Голландию на обучение в одной из летних школ Университета Радбауд.

Цифровые герои

Они создают интернет-сервисы, социальные сети, игры и приложения, которыми ежедневно пользуются миллионы людей во всём мире.

Работа будущего

Как новые технологии, научные открытия и инновации изменят ландшафт на рынке труда в ближайшие 20-30 лет

Профессии мечты

Совместно с центром онлайн-обучения Фоксфорд мы решили узнать у школьников, кем они мечтают стать и куда планируют поступать.

Экономическое образование

О том, что собой представляет современная экономика, и какие карьерные перспективы открываются перед будущими экономистами.

Гуманитарная сфера

Разговариваем с экспертами о важности гуманитарного образования и областях его применения на практике.

Молодые инженеры

Инженерные специальности становятся всё более востребованными и перспективными.

Табель о рангах

Что такое гражданская служба, кто такие госслужащие и какое образование является хорошим стартом для будущих чиновников.

Карьера в нефтехимии

Нефтехимия — это инновации, реальное производство продукции, которая есть в каждом доме.

Авангард Дизайн, школа-студия в Заречье, проспект Вернадского, 78

⭐ Отзывы ✍ Редактировать 📢 Отправить

Авангард Дизайн, школа-студия — адрес сайта

Авангард Дизайн, школа-студия в Заречье, информация о сайте avangard.design. Авангард Дизайн, школа-студия по адресу 119454, Московская область, Заречье, проспект Вернадского, 78 в дальнейшем Организация, размещена в следующих категориях: Образование, работа, карьера в Заречье Дополнительное образование Развивающие курсы в Заречье Профессиональная переподготовка Повышение квалификации в Заречье

Для связи с организацией воспользуйтесь номером телефона:

+7 (495) 771-18-19. Пн: c 10:00-13:00, Вт: c 10:00-13:00, Ср: c 10:00-13:00, Чт: c 10:00-13:00, Пт: c 10:00-13:00, Сб: c 10:00-13:00, Вс: выходной, вы можете обратиться в эту организацию.

Хотим обратить ваше внимание, на то, что у Организации есть сайт http://avangard.design, поэтому для актуализации контактных данных советуем его посетить. В социальных сетях обычно дублируют информацию с официального сайта, тем не менее, социальные сети это быстрый отклик клиентов и посетителей, вы можете найти ответы на волнующие вас вопросы, советуем также заглянуть и в соц. сети:

https://instagram.com/avangardschooldesign

Если хотите посетить организацию, советуем вам заранее проложить маршрут. С помощью карты ниже, вы можете узнать точное расстояние, рекомендуемый маршрут, а также загруженность дорог в Заречье.

Карта

Ориентировочное расстояние от центра города до организации 5.8 км.

Отзывы и обсуждение:

К сожалению, отзывов и комментариев нет. Поделитесь своим мнение, будьте первым =)

Возможно вам будут интересны другие организации:

Тел.: +7-916-302-55-20
Адрес: Московская область, Заречье, Озёрная, 42
Режим работы: Пн: c 09:00-18:00, Вт: c 09:00-18:00, Ср: c 09:00-18:00, Чт: c 09:00-18:00, Пт: c 09:00-18:00, Сб: выходной, Вс: выходной

Тел.: +7-999-444-28-93
Адрес: Московская область, Заречье, Большая Очаковская, 42 к1
Режим работы: Пн: c 10:00-17:00, Вт: c 10:00-17:00, Ср: c 10:00-17:00, Чт: c 10:00-17:00, Пт: c 10:00-17:00, Сб: c 09:00-17:00, Вс: c 09:00-17:00

Тел.: 8-800-300-63-68
Адрес: Московская область, Заречье, Ломоносовский проспект, 25 к5
Режим работы:

Ежедневно с 10:00 до 22:00

Тел.: +7-926-541-20-63
Адрес: Московская область, Заречье, Боровское шоссе, 2 к7
Режим работы: Ежедневно с 09:00 до 20:00

Тел.: +7 (495) 439-67-02, +7 (495) 435-52-13, +7 (495) 435-93-20, +7-926-918-57-79
Адрес: Московская область, Заречье, Попутная, 2
Режим работы: Пн: c 10:00-18:00, Вт: c 10:00-18:00, Ср: c 10:00-18:00, Чт: c 10:00-18:00, Пт: c 10:00-18:00, Сб: выходной, Вс: выходной

Тел.: +7 (495) 330-36-33, +7-903-545-99-65
Адрес: Московская область, Заречье, Саморы Машела, 5а

Режим работы: Пн: c 09:00-18:00, Вт: c 09:00-18:00, Ср: c 09:00-18:00, Чт: c 09:00-18:00, Пт: c 09:00-18:00, Сб: выходной, Вс: выходной

Тел.: +7 (495) 369-55-50
Адрес: Московская область, Заречье, проспект Вернадского, 82 ст3
Режим работы: Пн: c 10:00-19:00, Вт: c 10:00-19:00, Ср: c 10:00-19:00, Чт: c 10:00-19:00, Пт: c 10:00-19:00, Сб: выходной, Вс: выходной

Тел.: +7 (499) 144-06-75, +7 (499) 144-79-37
Адрес: Московская область, Заречье, Малая Филёвская, 8 к1
Режим работы: Пн: c 11:00-20:00, Вт: c 11:00-20:00, Ср: c 11:00-20:00, Чт: c 11:00-20:00, Пт: c 11:00-20:00, Сб: c 09:00-19:00, Вс: выходной

Тел.: +7 (499) 233-29-08, +7 (495) 443-75-11, +7 (495) 443-69-11, +7 (499) 233-27-12
Адрес: Московская область, Заречье, Алексея Свиридова, 13 к1
Режим работы: Пн: c 09:00-21:00, Вт: c 09:00-21:00, Ср: c 09:00-21:00, Чт: c 09:00-21:00, Пт: c 09:00-21:00, Сб: c 08:00-21:00, Вс: c 09:00-18:00

Тел.: +7 (495) 732-42-10, +7 (495) 733-55-67, +7 (495) 733-05-94
Адрес: Московская область, Заречье, Лукинская, 7 к1
Режим работы: Пн: c 09:00-21:00, Вт: c 09:00-21:00, Ср: c 09:00-21:00, Чт: c 09:00-21:00, Пт: c 09:00-21:00, Сб: c 09:00-21:00, Вс: выходной

Тел.:

+7 (495) 435-95-51, +7 (495) 435-91-52, +7 (495) 435-01-33
Адрес: Московская область, Заречье, Солнцевский проспект, 9
Режим работы: Пн: c 09:00-20:00, Вт: c 09:00-20:00, Ср: c 09:00-20:00, Чт: c 09:00-20:00, Пт: c 09:00-20:00, Сб: c 09:00-20:00, Вс: c 11:00-18:00

Тел.: +7 (499) 432-26-93, +7 (499) 432-97-35, +7 (499) 432-97-64
Адрес: Московская область, Заречье, Лобачевского, 38
Режим работы: Пн: c 10:00-20:00, Вт: c 10:00-20:00, Ср: c 10:00-20:00, Чт: c 10:00-20:00, Пт: c 10:00-20:00, Сб: c 09:00-20:00, Вс: выходной

Тел.: +7 (495) 437-10-44, +7 (495) 437-08-38, +7 (495) 437-01-65
Адрес: Московская область, Заречье, Марии Поливановой, 3

Режим работы: Пн: c 10:00-13:00, Вт: c 10:00-13:00, Ср: c 10:00-13:00, Чт: c 10:00-13:00, Пт: c 10:00-13:00, Сб: выходной, Вс: выходной

14.04.2022 09:49

Выставка «ВХУТЕМАС 100. Школа авангарда» в Музее Москвы

Выставка «ВХУТЕМАС 100. Школа авангарда», открывшаяся в 2020 году в столетний юбилей мастерских, рассказывала о них как о родоначальнике современных художественных, дизайнерских, архитектурных, текстильных и полиграфических вузов.

расположение:

Москва, Музей Москвы, Зубовский бульвар, 2

фото: Алексей Народицкий

реализация:

2020

авторы проекта:

Архитектура выставки: Сергей Неботов, Анна Замрий, Маргарита Дикова

производитель:
aledo

освещение 

Главный акцент был сделан не столько на работы учителей и учеников, сколько на структуру школы, методологию обучения и отношения между дисциплинами. Эту взаимосвязь как раз и показывало построение экспозиции.

Центральный неф главного выставочного пространства Музея Москвы был отдан рассказу об Основном отделении ВХУТЕМАСа, радикально отличавшемся от других художественных учебных заведений.

Азбуке из четырех дисциплин, входящих в курс пропедевтики, — графике, цвету, пространству и объему — был отведен свой большой блок, рассказывающий о том, как эти дисциплины преподавались, с демонстрацией ученических работ и способов обучения.

Несмотря на общую лаконичность подачи материала, здесь не обошлось и без символики: архитекторы развернули все элементы экспозиции относительно структуры выставочного зала, с тем чтобы подчеркнуть идею радикальности явления ВХУТЕМАСА и отметить момент зарождения новой художественной системы координат.

Такое расположение экспозиции — наложило отпечаток и на освещение: чтобы сохранить динамику пространства и не плодить тени, светодизайнер Музея Москвы работала со светом в объеме, вместо того, чтобы выделять каждый отдельный экспонат. Для этого было использовано акцентное трековое решение на приборах SONIC, OPTIK и MINI FOCUS от компании Aledo.

По обе стороны от магистральной линии выставки шли отдельные блоки про 7 факультетов мастерских: производственные (полиграфический, текстильный, керамический, деревообделочный и металлообрабатывающий) и художественные (архитектурный, скульптурный и живописный). 

При этом художественная составляющая дизайн-проекта самой выставки нарочито сведена к минимуму: в конце концов, авангард отвергал буржуазные ценности и любил простые формы. Поэтому — простые конструкции стен и самые недорогие строительные материалы: фанера и брус.

Европейский авангард и школа Баухаус. Вечер для архитекторов при поддержке JUNG — PRAGMATIKA.MEDIA

Методы и принципы, сформировавшие эстетику авангарда, такие новаторские, вызывающие, дерзкие, какими они казались в те времена, воспринимаются нестареющей классикой сегодня. Стиль, возникший на рубеже XIX—XX вв., остается востребованным и актуальным до сих пор.

Директор «JUNG Украина» Ритис Мисявичус

Сложно переоценить влияние Баухауса на развитие искусства всего XX в. Лаконичность и функциональность, к которым стремились Вальтер Гропиус и другие мастера школы, являются основополагающими в современной архитектуре и интерьере. Удивительно, что школа, которая просуществовала всего 14 лет, подарила миру яркие, неповторимые образы новых предметов, чьи формы стали почти архетипическими, существующими вне времени, к которым не устают обращаться мастера.

Выключатель в форме квадрата, созданный компанией JUNG в 1968 г., пользуется невероятным успехом вот уже полвека

Главный редактор издания Константин Ковшевацкий

Лариса Цыбина

Первый в мире кнопочный выключатель в форме квадрата, созданный компанией JUNG в 1968 г., пользуется невероятным успехом вот уже полвека. Компактный, удобный, минималистичный, элегантный, он вписывается в любую архитектурную концепцию. Эта инновационная модель была отмечена Советом дизайнеров в категории «Продукт» как «Лучший из лучших» и получила наивысшую оценку на конкурсе ICONIC Awards.

Знаменитый архитектор Ле Корбюзье подчеркивал важность цвета в пространстве наряду с формой и композицией

Философия JUNG базируется на понимании ценности продукта, уважении и демонстрации в своей работе тонкой связи с искусством. Знаменитый архитектор Ле Корбюзье подчеркивал важность цвета в пространстве наряду с формой и композицией. И компания JUNG не обходит стороной эту особенность. С 2014 года она — эксклюзивный мировой поставщик серии классических выключателей LS 990 в цветах палитры Les Couleurs® Le Corbusier. С момента возникновения этот модельный ряд постепенно расширялся и сейчас представлен в 63‑х оттенках. Такой широкий цветовой диапазон способен сделать уникальным любой интерьер.

В салоне Villa Verde собрались архитекторы и дизайнеры на лекции о европейском
авангарде и знаменитой школе Баухаус

Менеджер по региональному развитию JUNG в Украине Вячеслав Шевнин, Ярослав Крашаныця, менеджер по развитию направления автоматизации, директор «JUNG Украина» Ритис Мисявичус

В конце вечера среди зрителей был разыгран арт-объект, созданный из элементов иконического выключателя JUNG художницей Светланой Островской, — оммаж дадаизму.

Владелица Villa Verde Юлия Завальнюк, Ирина Шопа и Лариса Цыбина

Школа дизайна, о которой знает весь мир

В 1920 году в СССР слились два высших учебных заведения, и появилось новое — ВХУТЕМАС. Молодому государству нужны были дизайнеры и художники, которые помогли бы построить новый мир для советского человека. Это было время свободы, экспериментов и быстрого развития — всего за десять лет лучшие архитекторы и художники СССР смогли создать Школу, которая определила будущее мирового дизайна.

Анна Смолякова,практикующий дизайнер жилых и общественных интерьеров, преподаватель проектирования в Международной Школе Дизайна. Автор курсов и статей о дизайне

ВХУТЕМАС — новый мир для нового советского человека

ВХУТЕМАС расшифровывается как высшие художественно-технические мастерские. В 1920-м году под этим названием слились Строгановское художественно-промышленное училище и Московское училище живописи, ваяния и зодчества. А цель у этого была одна — создать систему обучения новых советских дизайнеров. Ведь перед недавно образовавшимся советским государством стояла глобальная задача — построить новый мир для нового советского человека. Школа авангарда, так еще называют ВХУТЕМАС, обучала студентов анализу, самостоятельному мышлению, а не копированию образцов.

ВХУТЕМАС полностью отвечал на запросы государства и продумывал новый предметно-пространственный мир от светильника до дома

ВХУТЕМАС неотрывно связан с конструктивизмом, супрематизмом Малевича, кубизмом Пабло Пикассо — новая Школа родилась на базе авангардных течений начала XX века. И в это же время в Германии появился Баухаус (Государственная высшая школа строительства и формообразования, или Staatliches Bauhaus — Государственный Дом строительства — учебное заведение, существовавшее в Германии с 1919 по 1933 год — Ред.): в 1920-е годы и сегодня ВХУТЕМАС и Баухаус считаются ключевыми Школами, повлиявшими на весь дизайн и архитектуру XX века в целом. Они сформировали инновационные методы обучения дизайнеров: через слияние художественных, технологических и научных дисциплин. Проекты студентов разрабатывались в мастерских на практике.

С появлением ВХУТЕМАС в советской России искусство перестало быть отвлеченной элитарной областью. Произошло перерождение искусства в дизайн — в реальные предметы, спроектированные по принципам, продиктованным временем и представлениями о новой жизни того периода. ВХУТЕМАС полностью отвечал на запросы государства и действительно продумывал этот новый предметно-пространственный мир от светильника до дома, поэтому структура учебного заведения включала в себя несколько направлений — архитектуру, скульптуру, живопись, дерево- и металлообработку, а также текстильный, полиграфический и керамический факультеты. Это было время поиска новых форм в дизайне и архитектуре.

В 1926-м году ВХУТЕМАС преобразовали в институт, и аббревиатура изменилась на ВХУТЕИН. Он просуществовал до 1930-го года. Слишком независимое мышление дизайнеров стало неудобным правительству. Гонения на авангардистов со стороны государства привели к расформированию ВХУТЕИН.

Александр Михайлович Родченко — декан ВХУТЕМАС, который мог все

Кто мог взять на себя роль создателей новой системы обучения? Только ведущие архитекторы и художники того времени. Александр Родченко (1891 — 1956) стал первым деканом ВХУТЕМАС, который смог собрать команду преподавателей из лучших специалистов. Александр был художником, графиком, предметным дизайнером, занимался декорациями в театре и кино и экспериментировал с фотографией.

Александр Родченко — первый декан ВХУТЕМАС. Он смог собрать под крышей нового учебного заведения лучших преподавателей СССР

Один из самых известных проектов Родченко — «Рабочий клуб», который он создал в 1925-м году для советского павильона Всемирной выставки в Париже. Проект как раз и отражал тот новый мир с реформированным бытом советского человека. Практически вся мебель «Рабочего клуба» могла трансформироваться, а само пространство было выполнено в традиционных для конструктивизма цветах — черном, красном, сером и белом. Сама идея предметов-трансформеров была не новой для начала XX века, но «Рабочий клуб» содержал в себе еще и философию жизни нового советского человека. Кроме этого Родченко представил новый в социальном отношении тип интерьера — со всеми функциональными зонами: библиотекой-читальней, зоной для игры в шахматы и складной трибуной. Подразумевалось, что интерьерные части клуба можно было полностью собрать, поехать с ним по стране и разложить их в любом нужном месте. Это, конечно, выделило советский стенд от других на Всемирной выставке.

Александр Родченко вместе с Эль Лисицким придумали новый стиль в полиграфии: шрифты, асимметрия и динамика в композиции олицетворяли освоение воздушного пространства, электрификацию, стремительность и скорость. Новый стиль стоит оценивать с точки зрения новых композиционных приемов и того, как свободно они работали с текстом.

Кроме этого, Александр Родченко ввел инновационные приемы в создании фотографии. Он много снимал снизу, лежа на земле, любил взбираться на лестницы и снимать высокие виды сверху. Родченко все обычное превращал в необычное. У него словно были волшебные очки, через которые весь мир воспринимался им по-особенному.

Лазарь Маркович Лисицкий — новые шрифты и полиграфия

Лазарь Лисицкий (1890 — 1941) — один из крупнейших представителей авангарда. Он занимался живописью, графикой, архитектурой, типографией, фотографией и дизайном. Лисицкий никогда не причислял себя к какой-то одной сфере, а считал себя универсальным художником-изобретателем. С его именем в первую очередь связан синтез нескольких художественных приемов, что отлично видно в Проунах (Проун — проект утверждения нового — Ред.) — серии графических работ, основанной на супрематизме Малевича и на всех пластических принципах конструктивизма. Именно Проуны и принесли Лисицкому мировое признание.

Помимо Проунов еще одной культовой работой Лисицкого считается «Супрематический сказ про два квадрата». Это иллюстрация в нескольких картинках того, как СССР собирался строить новый мир. Эль Лисицкий («Эль» — сокращенное написание его имени Элиэзер на иврите. Подписывая так свои работы с 1920-х годов, он вошел в историю мирового искусства как El Lissitzky — Ред.) внутри конструктивизма смело создал свой собственный стиль, поэтому его работы сразу выделяются на фоне остальных. Всю его динамику, отточенный художественный образ и любимые три цвета — черный, белый, красный — можно также увидеть в работе «Клином красным бей белых».

Кроме того, у Эль Лисицкого был проект горизонтального небоскреба, который опередил свое время, но так и остался на бумаге. Хотя на основе его идеи были построены реальные объекты по всему миру.

На дерметфаке ВХУТЕМАС Лисицкий вел собственный курс по интерьеру и предметному  дизайну. Под его руководством студенты создавали макеты жилых пространств и мебель-трансформеры: например, откидная кровать и складной стул.

Советский текстиль как прием агитации и вдохновение для современной моды

Агитационный советский текстиль отличался ярчайшим визуальным рядом наряду с работами Лисицкого и Родченко. Агитация, которая превратилась в искусство — это наиболее значимый результат деятельности текстильного факультета ВХУТЕМАС. Художники изображали на тканях танки, сенокос, тракторы, солдат — и все это имело высокую художественную ценность, учитывая сложную специфику создания орнаментов для тканей. Ведь в единую и непрерывную систему нужно было соединить многое: размер и назначение рисунка, тип и пластику ткани, направленность геометрии, масштаб и т.д. Над этим работали выдающиеся преподаватели ВХУТЕМАС Любовь Сергеевна Попова (1889 — 1924) и Варвара Федоровна Степанова (1894 — 1958).

Если внимательно посмотреть на ткани Любови Поповой, то снова можно увидеть абстракцию конструктивизма. В ее работах используются сложные геометрические приемы и иллюзии, например, с наложением треугольников — так зарождалось оптическое искусство. И все это делалось, естественно, вручную, по линейке.

ВХУТЕМАС перевернул мир за 10 лет

20-30-е годы XX века в СССР мы помним по печальным событиям, связанными с репрессиями. Но искра свободы ВХУТЕМАС всего за 10 лет успела разгореться в мощное пламя, которое до сих пор влияет на мировой дизайн и архитектуру. В Школе авангарда внедряли новые методики преподавания, которые кардинально отличались от академической системы. Это было развитие по вертикали — не плавный переход, а просто «вылет в космос». Благодаря этому мир за несколько десятилетий перевернулся. Если вы посмотрите на классическое здание и конструктивистское, то сразу все становится понятно.

И сегодня признанные высшие учебные заведения Москвы базируются на методиках ВХУТЕМАС и ВХУТЕИН: Московский архитектурный институт образовался на основе его архитектурного факультета; Московский Государственный Академический художественный институт им. В.И. Сурикова — на базе его живописного факультета; прототипом Московского государственного университета печати стал полиграфический факультет ВХУТЕИН; на базе текстильного факультета образовался Институт культуры и искусств. А выпускники ВХУТЕМАС определили лицо всего советского искусства XX века.

Пример того, как современные дизайнеры вдохновляются советским текстилем при создании новых коллекций

Нет более знаковых событий в истории мирового дизайна, чем образование ВХУТЕМАС в СССР и Баухаус в Германии. Эти две Школы постоянно общались между собой. Например, Василий Кандинский лично преподавал в Баухаус. Больше нигде так серьезно и основательно не занимались теорией и практикой дизайна. 20–30-е годы XX века — время постоянной генерации новых идей. И сегодня, вот уже 100 лет, мы применяем в дизайне и искусстве все то, что было разработано лучшими преподавателями ВХУТЕМАС и позднее ВХУТЕИН.

Авангард — искусство революции • Arzamas

Как Малевич, Эйзенштейн, Мейерхольд и конструктивисты получили возможность изменить мир

Автор Ян Левченко

В 1919 году большевики готовились провести II конгресс Коминтерна, но уже мечтали о следующем, третьем. К его проведению была заказана разработка грандиозного монумента новой эры — башни небывалых размеров. Художник Владимир Татлин и несколько его помощников изготовили в 1920 году две демонстрационные модели, состоящие из трех наклонных цилиндров, соеди­ненных двумя спиральными тягами. Постройка оставляла далеко позади париж­скую Эйфелеву башню, как символ индустриального XX века. Здание 400-метровой высоты с вращающимися частями, внутри которого должно было поместиться все руководство Коминтерна плюс редакции газет, радио и киностудия с выходящим на улицу проекционным экраном, было призвано воплотить самые дерзкие притязания большевиков. Заведомая утопичность проекта соответствовала масштабам мировой революции. Даже оставаясь макетом, башня Татлина убедительно выражала перемены, произошедшие в культуре. Мотором этих перемен был авангард.

На языке войны авангард значит «передовой отряд». Это понятие начали при­менять к искусству во Франции во второй половине XIX века. В России аван­гард заявил о себе в конце 1900-х годов: как правило, с него ведется отсчет самостоятельного, оригинального русского искусства на фоне двух веков по­дра­­жания. Чуть раньше живописи свой прорыв совершила русская словес­ность, создавшая философский роман Толстого и Достоевского — большую форму, не имевшую соответствий в мировой литературе.

Изобразительные искусства вдохновлялись новейшими западными течениями, чьих представителей везли в Россию коллекционеры вроде Сергея Щукина. Однако это не было подража­нием. Сама идея образца уходила в прошлое, ее вытеснила установка на инно­вацию. Предвестником концептуальных пере­мен в русском искусстве стал и литературный символизм, заявивший о себе еще в 1890-е годы. Русский авангард взял у него идею слияния искусства и жиз­ни, или так называемое жизнетворчество. Для символистов и авангар­дистов искусство было не просто работой, но телом и душой художника, чья миссия состояла в том, чтобы слить воедино искусство и жизнь.

Новизна авангарда — не в идеях, но в степени их радикальности, источниках вдохновения, в выразительных средствах. Авангард сделал ставку на «низкие» для образованного класса явления: лубок, примитив, городскую рекламу —вплоть до надписей на заборах. Одновременно большое значение для авангарда имела русская иконопись, не изображавшая видимый мир, но выражавшая то, что недоступно физическому зрению. Отказавшись от натурализма, авангард обратился к духовным вопросам, пусть они порой и выражались шокирующе примитивным языком. В 1910 году состоялась первая выставка авангардис­тов — «Бубновый валет». Скандальным было уже ее название: красный ромб, похожий на бубновую масть, нашивали на робу каторжника в царской России.

К тому же авангард хотел мгновенно преобразовать мир силой искусства — тотального, как рево­люция, о которой говорили большевики. Например, требо­валось средствами самой живописи констатировать ее конец. В итоге в 1915 го­ду Казимир Малевич на футуристической выставке «0,10» представил «Черный квадрат». Это была новая икона, висевшая в «красном углу», и одновре­менно — окно в космос, черная дыра, тайна и пустота, начало и конец всех цветов пали­тры. Пятно черной краски провоцировало поиск значений: под ним упорно пы­та­лись распознать проступающий рисунок или текст.

Авангард не имел упорядоченной системы, но представлял собой набор школ и направлений с пересекающимися, но часто противоположными програм­мами. Русских авангардистов объединяло то, что они разными путями нащу­пыва­ли путь к беспредметной форме и стремились радикально трансформи­ровать язык искусства, заставить его не просто разрушить прежние правила, но по­нять, как они возникают, как изменяются. Вдохновляясь примитивом, призы­вая к духовному прозрению, стремясь к синтезу искусства и жизни, русский авангард породил интеллектуальную концепцию, задающую траек­торию раз­вития культуры в XX веке. Это концепция искусства как теоретиче­ского про­екта, в котором идея, стоящая за искусством, становится важнее конкретного произведения и его художественных особенностей. В отсутствие поддержки художественной критики авангард решил сам обслужить себя в сфере теории, предвосхищая интервенцию современного искусства в поле философии и политики, его сближение с рекламой, медиа, технологиями.

Революционные потрясения 1917 года выдвинули авангардистов на передний край новой жизни. Салонный модернизм для «верхов» общества и лубочная культура для «низов» безнадежно отстали от стремительно меняющегося об­щества. Нацеленный в будущее авангард предложил победившему пролета­риату свой язык, в частности монументальную абстракцию. К 1 мая 1918 года вернувшийся из-за границы кубист Давид Штеренберг украшает фасад Зим­не­го дворца фигурой рабочего. Грандиозным событием станет оформление Юри­ем Анненковым «Взятия Зимнего дворца» в постановке Николая Евреи­нова в 1920 году. Театрализованная мистерия с участием тысяч статистов будет оставаться образцом для большевистских праздников еще долгое время.

В 1919 году организуется Комфут (объединение «коммунистов-футуристов»), где с новой властью сотрудничают поэт Владимир Маяковский, критик и тео­ретик Осип Брик и художник Натан Альтман — автор оформления петроград­ских улиц в первую годовщину революции. В стихотворении с воинственным названием «Приказ по армии искусства» Маяковский декларирует:

Довольно грошовых истин.
Из сердца старое вытри.
Улицы — наши кисти.
Площа­ди — наши палитры.

Демонстрации и митинги требуют наглядности, массовости, энергичности. Большевистский агитпроп берет на вооружение агрессию авангарда, а новая власть привечает его творцов. Уже в ноябре 1917 го­да Казимир Малевич наз­начен комиссаром по охране памятников старины. Он недолго задержался на этой должности, но логика решений примечатель­на. Авангардисты привле­чены к реформе художественного обра­зования: тот же Малевич в 1919 году едет в Витебск, где встает во главе худо­жественной школы, на базе которой скоро появится Уновис — общество «Утвер­дителей нового ис­кусства». Его ак­ти­висты в 1923 году будут в чи­сле создателей Гинхука — Государственного института художественной куль­туры. Пока Малевич попу­ляризует авангард в провинции, Василий Кан­дин­ский и Владимир Татлин уча­ствуют в органи­зации Высших художест­венно-технических мастерских (Вху­темас), где c 1920 по 1926 год будет работать важнейшая, наряду с Баухаусом в Германии, школа европейского авангарда.

Эпоха военного коммунизма, когда большевики силой насаждали новый поря­док, оказалась относительно благоприятной для левого искусства. Большевист­ский террор обрушился на интеллигенцию, но пощадил гонимых до революции авангардистов. Они заседали в отделе изобразительных искусств тогдашнего Министерства — точнее, Народного комиссариата — просвещения и раздавали привилегии тем, кому считали нужным. Начавшийся в 1921 году нэп оказался для них более сложным временем: идея мировой революции начала терять свою актуальность. Тем не менее реакция в культуре восторжествовала не сра­зу. Авангард сохранял крепкие позиции вплоть до самого конца 1920-х годов.

В первую очередь речь идет о стиле, который сложился уже после революции и придал утопическим идеям прикладное измерение. Это конструктивизм, чьим идеологом был Алексей Ган, а ведущими представителями — Влади­мир Татлин, Эль Лисицкий, Александр Родченко, Варвара Степанова. Они зани­мались пропагандой коммунистической идеологии с помощью фактуры, конструкции и тектоники, то есть отвечали на вопросы о том, каков объект на ощупь, как он устроен и куда встроен. Конструктивисты не были «худож­никами» в привычном смысле слова: они занимались не столько станковыми картинами, сколько плакатами, коллажами и трехмерными объектами. Они быстро и технологично осваивали архитектуру и городскую среду, дизайн одежды и помещений, фотографию и полиграфию. Они оформляли книги, упаковки, витрины, клубы. В итоге конструктивизм оформился как единый смысловой и стилистический фундамент всех видов художественной практики 1920-х годов. Самое наглядное отражение его принципы нашли в архитектуре, и опосредованное — в кино.

Главным символом конструктивизма стал проект башни Татлина. Новаторские «угловые контррельефы», которые Татлин создавал еще до революции, извест­ны намного меньше. Но если бы не они, вряд ли супрематист Лазарь Лисиц­кий начал бы строить на рубеже 1910-х и 1920-х годов «проуны» («проекты утвер­жде­ния нового») — аппликации из разных материалов, в основе которых лежат архитек­турные эскизы. В отличие от броских и отчетливо мистических проек­тов Тат­лина, объемы Лисицкого лишены даже намека на искусство в его тра­дицион­ном понимании. «Проуны» ставят задачу преодоления перспективы, замкнутой на единого наблюдателя, в них заложена множественность точек зрения. Такое искусство должно восприниматься массами, а не отдельным зрителем, и про­воцирует вступить с ним в контакт.

Более всего конструктивизм известен как архитектурный стиль. Внешне он кажется единым, но на самом деле за него отвечали две конкурирующие груп­пы. Первая — рационалисты, куда наряду с идеологом Николаем Ладов­ским вошел и Лисицкий. Вопреки своему названию, рационалисты отличались ярко выраженным утопизмом. Так, Лисицкий считал, что супрематизм спосо­бен преодолеть земное тяготение, а студент Георгий Крутиков в 1924 году создал проект «летающего города», который можно пришвартовать к вышке наподо­бие дирижабля. Вторая группа — это собственно конструктивисты: братья Веснины, Моисей Гинзбург. Они были более продуктивны в реальном строите­льстве, потому что исходили из практических соображений. Вплоть до начала 1930-х годов они строили рабочие клубы, магазины, жилые дома. Наконец, особняком держались Илья Голосов и Константин Мельников, рабо­тавшие в специальной (экспериментальной) мастерской Вхутемаса. Они соз­да­вали принципиально индивидуальные проекты — динамичные, построенные на кон­трастном сочетании форм.

Конструктивизм с его вниманием к линии и плоскости, целостным подходом к организации пространства и общей установкой на технологичность был созвучен самому молодому искусству — кино, которое буквально находилось в авангарде прогресса уже в силу своего индустриального происхождения. Однако первые два десятилетия своего существования кино изо всех сил пыта­лось доказать свою состоятельность перед «старшими» искусствами. Как след­ствие, оно взяло на вооружение все самое очевидное, что можно было у них заимствовать. У театра — нарочитую манерность актерской игры. У беллет­ри­стики — деление на жанры и обязательную повествовательность, наличие за­ни­мательной истории. У изобразительного искусства — приемы композиции и построения пространства, а также орнаментальный дизайн, ассоциирующий­ся с модерном начала XX века. Таким образом, кинематограф долгое время оставался авангардной технологией с отсталым содержанием.

В 1919 году по инициативе актера и режиссера Владимира Гардина в Москве открылась Государственная школа кинематографии. Ее первый набор «натур­щиков», то есть актеров, отрабатывал движения перед рамкой, имитирующей кадр, через которую наставник наблюдал за мизансценой. Тренировал натур­щиков Лев Кулешов, еще в 1918 году снявший на Ялтинской студии кар­тину «Проект инженера Прайта». Главным образом ее запомнили монтажеры, кото­рые никогда не клеили такие короткие отрезки пленки: действие на экране мелькало не только из-за плохого света, но и от скорости покадровой смены. Так родился монтаж, который Кулешов назвал «американским», а поклонники советского авангарда за рубежом вскоре переименовали в «русский». Кулешов также обратил внимание, что на экране человек, идущий по московской улице, может с легкостью приветствовать знакомого, находящегося в Петро­граде. Про­странство фильма — результат произвольной комбинации элемен­тов, в ре­зультате которой возникает «творимая земная поверхность». Наконец, еще одно свойство монтажа — способность управлять восприятием изобра­жа­емых вещей. Так, нейтральное лицо актера, смонтированное с тарелкой еды, начи­нает выражать чувство голода; склеенное встык с изображением детского гро­бика, наполняется скорбью и отчаянием. Термин «эффект Кулешова», обо­зна­чающий это свойство, быстро закрепился в профессии, а сам режиссер сделался первым классиком советского кино.

Вслед за Кулешовым в киноиндустрию приходит блистательная плеяда энту­зи­астов. Некоторые его ученики, такие как Всеволод Пудовкин, заявляют о себе во второй половине 1920-х годов. В 1922 году (независимо от влияния Кулешо­ва) в Петрограде возникает объединение ФЭКС — Фабрика эксцентрического актера — под началом киевлянина Григория Козинцева и одессита Леонида Трауберга. Поиски в области актерской техники, созвучные борьбе Кулешова против избыточного драматизма игры, привели «фэксов» к лубочному театру, балагану, клоунаде, акробатике. Начав с эксцентрических спектаклей, Козин­цев и Трауберг быстро переключились на кино. Их первые фильмы представ­ляли собой хаотичную буффонаду, но уже в 1926 году выходит этапная картина «Шинель» по сценарию Юрия Тынянова, близкая по стилистике немецкому экспрессионизму. Динамичная и субъективная камера, выражающая различ­ные состояния главного героя, а также уникальная работа со светом выдвинули оператора Андрея Москвина в один ряд с мастерами немецкого экспрессио­низма, гремевшего в это время по всей Европе.

Аналогичным путем — из театра в кино — идет рижанин Сергей Эйзенштейн, учившийся в Петрограде на инженера, но после революции оказавшийся в Мос­кве сначала как художник театра Пролеткульта, а вскоре как студент выдающе­гося реформатора театра Всеволода Мейерхольда. Эйзенштейн создал концеп­цию спектакля как «монтажа аттракционов», где была важна не столько произ­вольная комбинация фрагментов, сколько конечный эффект — зритель­ский шок. В фильме «Броненосец „Потемкин“» 1925 года, принесшем режис­серу гром­кую славу, хрестоматийным примером шокового монтажа является сцена рас­стрела людей на лестнице, ведущей к одесскому порту. Снимая пани­ческие метания толпы разными камерами и ускоряя темп смены эпизодов на­си­лия, Эйзенштейн достигает кульминации в кадре с крупным планом глаза, выбито­го казачьей нагайкой. После фильма «Октябрь» 1927 года, снятого к де­ся­тилетию революции, Эйзенштейн превращается в главного кинорежис­сера СССР, дея­тельность которого регулируется непосредственно из Кремля.

Едва ли не раньше всех и совершенно независимо начал эксперименты с монтажом Давид Кауфман, более известный под псевдонимом Дзига Вертов. Он был хроникером, идеологом неигрового кино и пламенным борцом с прояв­лениями театра и «литературщины» в кинематографе. Его теории и манифесты содержали важную идею, согласно которой технологии способны преодолеть ограниченность человеческих возможностей. Подход Вертова отличался боль­шим радикализмом, чем «американский монтаж» Кулешова, так как означал торжество разъединения и отчуждения, кинематографический аналог той же деконструкции, к которой интуитивно двигался, например, супрематизм.

В 1922 году Вертов публикует текст «Киноки. Переворот», излагающий прин­ципы возглавляемой им группы, чье название образовано от слов «кино» и «око». Главные признаки нового киноязыка, по мнению Вертова, связаны с отчуждением техники от человека и возможностью механически получить продукт, который раньше требовал чьих-то индивидуальных творческих уси­лий. Киноаппарат сам разберется, что ему важно, а что нет; следует пригля­деть­ся к тому, что он фиксирует. В 1924 году Вертов снял для иллюстрации своих теорий картину «Кино-глаз», а в конце десятилетия — свой самый из­вест­­ный фильм «Человек с киноаппаратом» 1929 года. Киноаппарат превра­ща­ется здесь в субъект наблюдения. Оператор — техническая фигура, которую аппарат бук­вально таскает за собой целый день на съемки. Конечно, аппарат не мог сам комбинировать снятые события, решение принимал человек за мон­тажным столом. Но Вертов искренне верил, что кино — это не просто новый этап тех­нологической эстетики, но инструмент радикальной перестройки человека.

Хотя Дзига Вертов и хотел аннулировать связь кино с театром, в том числе и с авангардным, полностью реализовать это намерение было невозможно. Кино, как мечтали авангардисты, синтезировало разные языки искусства, но в силу своего технического происхождения отчуждало зрителя от дейст­вия, тогда как в театре действие происходит здесь и сейчас при свидетельстве зрителя. Именно поэтому театр оставался важнейшей лабораторией авангарда как практики постоянного становления и самопреодоления. Одновременно природа театра не позволяла преодолеть его штучный характер, что сообщало ему выраженную элитарность даже в советском культурном контексте.

Театральный авангард формировался в тесном союзе с живописью. Футуристы повлияли на Николая Евреинова с его идеей «театрализации жизни», на Всево­лода Мейерхольда, занятого поисками новой условности, отменяющей «вжива­ние в роль», на Александра Таирова, чьи поиски эмоциональных воздействий на зрителя были призваны собрать камерную, то есть небольшую и верную аудиторию поклонников. Все они работали с пластикой, и Мейерхольд был радикальнее всех: переодевался красноармейцем и командовал актерами как взводом. В 1918 году Мейерхольд поставил «Мистерию-буфф» по пьесе Мая­ковского, отбивая начало Гражданской войны. Этот грубый эпа­тажный спек­такль с оформлением сначала Малевича, затем Альтмана был важнейшим событием для советского театрального авангарда.

Постановщики-экспериментаторы уделяли пристальное внимание работе с актером. Они активно применяли метод «биомеханики» — системы телесных упражнений, о которой Мейерхольд узнал от учеников анатома и теоретика физкультуры Петра Лесгафта. В 1910-е годы в Россию уже проникли идеи выразительного актерского движения, но в театрах актеры вовсю вживались в роли, не обращая внимания на координацию движений. Биомеханика поло­жила конец телесной расхлябанности — отныне актер должен был вниматель­но изучать и тренировать свое тело, расширять диапазон поз, добиваться фи­ли­гранной точности жеста. Советский театр отличался от передовых дорево­люционных течений тем, что превращал искусство в конвейер, с которого должен был сходить новый, все более совершенный и научно подкованный человек. Воспитанием нового человека занимались в 1920-е годы и педагоги, и психологи, и физиологи, но только искусство с его неограниченным вообра­жением разработало целостную антропологическую утопию. В театре, кино, архитектуре и живописи новый человек — абстрагированный носитель рацио­нальных свойств, элемент отлаженной машины, чья работа необходима для вос­становления народного хозяйства и будущей победы коммунизма.

Во второй половине 1920-х во внутрипартийной борьбе побеждает сталинская линия, которая провозглашает отход от идей мировой революции в пользу построения социализма в отдельно взятой стране. Авангардистская рациональ­ность оказывается чуждой «истинно народным» вкусам — искусство должно быть понятным, походить на жизнь и отражать то, что должно неминуемо наступить. Советская власть потребовала от работников искусства единства целей и средств. Поэтому новая доктрина искусства — социалистический реализм — упразднила возможность всякого стилистического разнообразия.

Однако авангард 1920-х годов нельзя назвать нереализованным проектом. Его стремление к тотальному господству перехватило и реализовало государ­ство. Оно мобилизовало все ресурсы, чтобы воплотить эстетическую утопию в жизнь и продемонстрировать всем, в том числе изобретателям этой утопии, ее практическое измерение. Централизованное искусство 1930-х годов не про­ти­востоит поискам авангарда: большевики просто перестали поддерживать видимость конкуренции в художественном поле, она была им больше не нуж­на. К началу 1930-х годов роль авангарда в создании советской версии культу­ры была сыграна. Пожара мировой революции не случилось, власть занялась построением социализма в отдельно взятой стране, и работа в искусстве све­лась к соблюдению правил игры, имеющих административное происхождение.

В чем заслуга авангарда? Это искусство изменило и представление о мире, и язык, которым этот мир описывается. Благодаря авангарду окончательно потеряли смысл разговоры о форме и содержании, о достоверности художе­ственного высказывания, о морали, стоящей за ним. В искусстве восторже­ствовала идея, которой надлежит быть новой, нетрадиционной. Авангард от­менил власть традиции. И хотя реакция то и дело возвращается, в наши дни все мень­ше людей пребывают в уверенности, что «классика» — это синоним «искус­ства».

Стиль авангард в одежде, авангардные образы / Блог / Школа Шопинга

Знакомы ли вы со стилем «Авангард»? Наверняка, да.

Потому что все мы видели наряды Леди Гага, Кейт Мосс, Сары Джессики Паркер, Мадонны, Бьйорк, Гвен Стефани, Пинк, Ренаты Литвиновой, Жанны Агузаровой. Так вот, всё что большинство людей, не интересующихся модой, посчитают чем-то странным и вопиющим – это и есть авангард.

Особенности стиля Авангард

Авангард – это понятие, описывающее передовые, нетрадиционные, экстравагантные течения в моде, не вписывающиеся в общепринятые нормы.

Такая одежда не нужна в повседневной обычной жизни среднестатистическому человеку, она создана для того, чтобы эпатировать. Поэтому и её потребители – это в основном звёзды шоу-бизнеса, современные художники, дизайнеры и саааамые отчаянные fashionista, которые живут модой. Авангард – это не просто одежда, это искусство и философия.

Асимметричный крой, необычные фасоны, сломанные пропорции и линии – всё это шокирует и удивляет.

Дизайнеры, работающие в стиле авангард

Нам, простым и НЕ богемным людям, настолько авангардные наряды, скорее всего, ни к чему 🙂 Но сколько идей можно почерпнуть, посмотрев коллекции дизайнеров, работающих в этом стиле!

Maison Margiela, Alexander McQueen, Yohji Yamamoto, Iris Van Herpen – эти дизайнеры знают толк в настоящем авангарде.

Образы в стиле авангард

Yohji Yamamoto                                                                                              Maison Margiela

Alexander McQueen                                                                                      Iris Van Herpen

Можно ли адаптировать авангард к повседневной жизни? Вопрос скорее риторический. Смотря, какой образ этой жизни вы ведёте и как относитесь к моде. Базовый гардероб, состоящий полностью из авангардных вещей – пожалуй, не самая лучшая идея. А вот грамотно вписать такие вещи в свой стиль – очень даже можно. Но этому нужно учиться. Такую сложную тему мы с ученицами онлайн-школы проходим на продвинутом курсе.

Авангард расширяет границы и позволяет нам посмотреть на вещи по-новому. Рассматривая фотографии street style, можно на живом примере убедиться, что смысл моды и стиля гораздо шире. Его невозможно вписать в ограниченные рамки канонов и правил, они попросту теряют смысл.

Я за эксперименты! А вы?

Представляем авангард | Каталог курсов

Учил : Маша Членова

Этот курс исследует кубистские, футуристские, дадаистские, супрематические, конструктивистские, дестильские и сюрреалистические художественные практики, уделяя особое внимание их стратегиям самопрезентации, таким как публичные выступления и дебаты, публикации, а также выставки, организованные художниками. и музейных коллекций. Мы рассмотрим такие фундаментальные вопросы, как то, что представляет собой авангардная художественная практика, как она может привести к социальным и политическим преобразованиям и каковы наиболее эффективные стратегии для художников по представлению своих работ публике, формированию ее восприятия и сохранению ее наследия. .Мы изучим ряд художественных стратегий, включая коллаж, реди-мейд, фотомонтаж и выставочный дизайн, а также сети, созданные художниками-авангардистами, которые позволили им развивать взаимообогащающие связи, действующие вне географических и национальных границ. Курс будет включать посещение музейных выставок с особым акцентом на стратегии презентации и приема; гостевые лекции музейных кураторов и художников; просмотр редких исторических материалов. Этот курс выполняет требования визуальных исследований для курса «Выставки как история».

Колледж : Колледж Юджина Лэнга по гуманитарным наукам (LC)

Отдел : Искусство (ЛАРС)

Кампус : Нью-Йорк (GV)

Формат курса : Семинар (R)

Крайний срок добавления/удаления : 12 сентября 2022 г. (понедельник)

Срок онлайн-вывода средств : 20 ноября 2022 г. (воскресенье)

* Информация о состоянии обновляется каждые пять минут.Статус этого курса мог измениться с момента последнего обновления. На открытые места могут быть наложены ограничения, из-за которых некоторые студенты не смогут зарегистрироваться. Обновлено: 2:52 14 апреля 2022 г. по восточному поясному времени.

В духе колледжа Блэк-Маунтин, инкубатора авангарда

В анналах американского искусства 20-го века немногие легенды занимают столь же значительное место, как легенда о колледже Блэк-Маунтин. Основанная в 1933 году ученым-классиком Джоном Эндрю Райсом и инженером Теодором Драйером, это была прогрессивная организация, базирующаяся в Блэк-Маунтин, небольшом городке в Северной Каролине, которая стремилась сделать искусство искусством в основе гуманитарного образования.В том же году нацисты вынудили закрыть еще один грандиозный эксперимент, немецкую школу Баухаус, что побудило многих ее учителей и учеников бежать из лагеря в Соединенные Штаты. Несколько человек приземлились в Блэк-Маунтин, в первую очередь Йозеф Альберс, который был выбран руководителем художественной программы, и его жена Анни, которая преподавала текстильный дизайн и ткачество.

Под руководством Альберса, чей курс по материалам и форме был одним из двух требований (другим был курс по Платону), Черная гора вскоре стала известна как своего рода Шангри-Ла авангардного искусства.Бывшие преподаватели и студенты Баухауса, такие как архитектор Уолтер Гропиус и сценограф Ксанти Шавински, преподавали там вместе с американскими художниками, такими как Джейкоб Лоуренс и Роберт Мазервелл, и в то или иное время среди студентов были Сай Твомбли и Роберт Раушенберг, которые позже стали титаны современного американского искусства. В колледже была основана танцевальная труппа Мерса Каннингема; Бакминстер Фуллер, также работавший на факультете, построил здесь свой первый крупномасштабный геодезический купол в 1949 году; а Черная гора была местом того, что некоторые считают первым событием, организованным в 1952 году композитором Джоном Кейджем.

Школа закрылась в 1957 году, через несколько лет после того, как Альберс ушел, чтобы возглавить первый отдел дизайна в Йельском университете. Но с 1993 года другое экспериментальное учреждение, музей и центр искусств колледжа Блэк-Маунтин, поддерживает свое пламя. В магазине в центре Эшвилла, в нескольких минутах езды от старого кампуса, он организует беседы, выставки, представления и ежегодную осеннюю конференцию, на которой ученые (а иногда и практикующие художники) исследуют наследие колледжа.

Этой весной музей также приступает к расширению, которое увеличит его нынешний размер более чем вдвое, до 2900 квадратных футов.Первоначальная галерея, реконструированная под учебный центр, вновь открылась в январе с выставкой, охватывающей 30 десятилетий «стихотворений» (ежедневных стихов и рисунков) выпускницы Блэк-Маунтин, художницы Сьюзан Вейл. В июне музей планирует открыть новую галерею через дорогу с исторической выставкой «Something Else Entirely», на которой будет рассказано о создании мейл-арт-книги Fluxus 1965 года «Paper Snake» Рэем Джонсоном, другим бывшим студентом. , используя фильмы и некоторые коллажи, которые никогда не демонстрировались ранее.

Познакомьтесь с начинающими дизайнерами, определяющими современный авангард

В последние несколько лет мы видели, как многие молодые дизайнеры захватывают мир моды по одной коллекции за раз. Может быть, это была пандемия и переход к более цифровым стратегиям с введенными блокировками и ограничениями, или, возможно, у известных брендов не было ничего нового, чтобы предложить своим потребителям. Какой бы ни была причина, мы все благодарны за это. Это отвлечение внимания на инновационные и новаторские креативы стало благословением для фанатиков во всем мире.

Covid побудил многих дизайнеров обратить внимание на функциональность, а не на эксцентричность, но не на этих дизайнеров, поскольку они вовлекают нас в свои исследования фантасмагорических миров и персонифицированных вселенных. Теперь мы хотим обратить внимание на этих революционеров, дизайнеров, экспериментирующих с силуэтами и нашими представлениями о теле. Познакомьтесь с новаторскими креативщиками этого поколения, теми, кто меняет индустрию своими авангардными работами.

Терренс Чжоу (@bad_binch_tongtong)

Китайский многопрофильный дизайнер и художник из Нью-Йорка Терренс Чжоу основал свой лейбл Bad Binch TONGTONG, радикализировав силуэты с помощью преувеличенно геометрических рисунков, которые играют с объемом и блочными цветами.

Чжоу начал получать степень бакалавра в области математики и инженерии, прежде чем нашел свое место в дизайне одежды. Получив степень в области моды в Школе дизайна Парсона и проработав год за границей в Сентрал-Сент-Мартинс, он является дизайнером, на которого стоит обратить внимание, когда дело доходит до стирания грани между одеждой и искусством.

Очарованный модернизмом, дизайнер избавляется от ненужных украшений и фокусирует свое внимание на форме одежды как на сути своего дизайна. Вдохновленный идеализированным миром и моментами его жизни, его чувства и эмоции органично воплощены в его работах.Это то, что связывает Чжоу с его аудиторией.

Решив подчеркнуть индивидуальность и креативность, он превращает одежду в скульптуры тела, состоящие из грушевидных костюмов-баллонов и платьев с двойными кольцами. Это его необычный и экстраординарный взгляд на моду, какой мы ее знаем. Вопреки сезонному календарю моды, его изделия выпускаются время от времени.

Дизайнер документирует свои творения в Instagram, где у него появилось огромное количество подписчиков. Он часто собирается вместе со своими друзьями в своей нью-йоркской квартире, чтобы поэкспериментировать со своими проектами, создавая контент и загружая его в свои социальные сети.Создавая безграничное пространство без фильтров и ограничений, он может представлять себя так, как хочет, носить все, что ему нравится, и создавать дизайн без разбора.

Чжоу описывает свой лейбл Bad Binch TONGTONG тремя простыми словами: «юмористический, духовный и личный». Возможно, его работа предназначена не для широких масс, а для тех предприимчивых душ, которые хотели бы раскачать сказку о жемчужно-белой акуле, объемные платья-кольца, и преувеличенные чайные шляпы могут приобрести эти творения в его интернет-магазине.

Что еще приготовила для нас самая крутая девка в моде? Он раскрывает нам секрет: «Честно говоря, после четырех лет в моде, Я никогда не думала, что хочу работать в моде или в каких-либо брендах.Я думаю, что самое интересное для молодых дизайнеров — это разрушить и оптимизировать систему, — продолжает он, — чтобы такие увлеченные люди, как я, могли увидеть различные возможности помимо того, что доступно в устоявшейся системе, которую многие из нас не видят. Я не обязательно соглашаюсь. Это конечная цель для меня».

Gregory Ojakpe (@gregojakpe)

Выросший в Южном Лондоне модельер из Нигерии Грегори Оджакпе оставил свой след в индустрии моды, представив свою выпускную коллекцию в Central Saint Martin’s, хижине для инновационных и начинающих молодых дизайнеров.Коллекция под названием «Биоморфный сюрреализм» присудила ему стипендию Фонда Сарабанды.

Любовь дизайнера к моде началась в возрасте 6 лет с одержимости печально известным произведением Анри Матисса « Улитка ». Он вспоминает: «Я был одержим идеей абстрактного изображения и бесконечными способами интерпретировать, казалось бы, случайный набор линий, знаков, форм и текстур на странице».

Оякпе оттачивал свои замысловатые трикотажные и текстильные изделия, разрабатывая новые техники, которые легли в основу его выпускной коллекции.Выбор, который он создал, состоял из скульптурных и тканых шнуров, превращенных в эластомер для создания форм в ткани, которые дополняют уникальные силуэты, черпая большую часть его вдохновения в изобразительном искусстве, скульптурах и детских увлечениях.

Коллекция имеет серьезные сюрреалистические отсылки, ссылаясь на известных скульпторов, таких как Генри Мур и Барбара Хепворт, особенно на сюрреалистических зверей, которые составляют произведение Макса Эрнста Варвары . Дизайнер подчеркивает, что основу его творческого видения составляют следующие основные элементы: мастерство, фантазия, сюрреализм и индивидуальность.

Будучи дизайнером трикотажных изделий, специализирующимся на трехмерных тканях, Оякпе всегда был очарован автоматизмом. Он рассказывает нам, как это началось, оглядываясь назад на свое детство: «Я начал создавать произведения искусства, используя различные техники создания меток, позволяя моим меткам определять, каким будет изображение», — добавляет он, — «В то время я просто экспериментировал. как дети, но теперь, оглядываясь назад, я говорю, что это было началом моих отношений с концепцией истинного автоматизма.Это позволило ему играть с формами своей одежды, создавая, когда он складывает, закалывает и драпирует вязаные ткани, создавая необычные изделия.

Ча Мён (@cha_myung)

Мён Ын Ча — дизайнер женской одежды и основатель одноименного бренда Cha Myung. Родившаяся и выросшая в Аньяне, Южная Корея, Мён выросла в окружении архитектуры из-за карьеры своего отца. Неудивительно, что при разработке ее коллекций они в значительной степени вдохновлены постмодернистскими архитектурными теориями, такими как модернизированный деконструктивизм.

В 21 год Мён поступила в Школу дизайна Парсона в Нью-Йорке, где получила степень бакалавра в области дизайна одежды. Прокладывая свой путь начинающего дизайнера, она получила степень магистра женской моды в Central Saint Martins.

Во время изоляции Мён придумала свою коллекцию осень-зима под названием «Путешествие в поисках комфорта». Она экспериментировала с подушками и подушками как с одеждой и с тем, как они «покрывают» тело, для другого, но буквального взгляда на домашнюю одежду. Для этой коллекции дизайнер создал 22 предмета одежды, которые предлагают такой же комфорт и удобство, но превосходят наше коллективное представление об одежде.Изделия напоминают образы Commes des Garçons 1990-х годов и скульптуры Барбары Хепворт.

Мён гармонизирует геометрические формы и естественные формы человеческого тела, чтобы найти баланс между ними. Она избавляет свою одежду от ненужных украшений и сосредотачивает внимание на деталях, составляющих основу ее бренда. Она заявляет: «Я создаю мягкие структуры и надеваю их на людей и вижу, как они движутся и работают с ними, что меня очень очаровывает», добавляя: «Мода позволяет мне исследовать свою личность и отражать ее, чтобы решать творческие задачи.”

Под влиянием ее любимого художника Ле Корбюзье его визуализация женского тела в его картинах была ее увлечением. На вопрос, почему его работы важны для нее, она отвечает: «Я не чувствовала никакого чувства эротики или сексуализации, которые были необходимы в изображении женственности и женского тела на картинах того времени».

Cha Myung — это лейбл, который исследует, что значит быть женщиной, и помогает идеализировать образ с помощью минималистичных, но смелых силуэтов для создания одежды, которая вырывается из существующей женской одежды.Бренд не стремится переопределить женственность, а хочет сформировать новый образ современной женщины и придать жизненную силу женскому телу.

«До сих пор я больше фокусировался на концептуальной стороне, а не на удобстве носки, потому что выражение того, что я хочу сказать, через моду мотивирует меня продолжать и развивать свою работу. В коллекции «Путешествие в поисках комфорта» есть одежда, которую в реальной жизни может быть неудобно носить из-за большой и громоздкой формы. Но есть и модели, которые достаточно удобны для повседневной носки.В будущем я хочу создать коллекцию, которая будет более развита как с точки зрения носки, так и с точки зрения концепции».

Иззи Ду (@izzydu)

Родившийся в Чэнду, Китай, но выросший в Канаде, Иззи Ду был назван одним из новых Антверпенских 6. Ду недавно окончил Королевскую академию изящных искусств в Антверпене, получив степень в области Модный дизайн. Однако перед тем, как отправиться в Бельгию, дизайнер закончила свой базовый год в Central Saint Martins, где она смогла полностью погрузиться в свою страсть.

Ее высококлассный совместный лейбл Izzy Du уделяет особое внимание качеству, инновациям и вкусу. Качество ощутимо выражается в материалах, создании и подгонке, а также в концепции, оригинальности и идее. Бренд стремится быть визуально стимулирующим, нетрадиционным и глотком свежего воздуха для всех нас. «В сложности я ищу максимальную простоту», что как нельзя лучше отражает суть работы дизайнера.

Ее последняя коллекция, на создание которой ушло семь месяцев, состоит из умной одежды, изготовленной из волокон, способных работать на солнечной энергии, и гидрофобных технологий.Это помогло создать бросающие вызов гравитации и преувеличенные силуэты, которые она любит называть «пригодной для носки энергией». Когда ее спросили, какие материалы она выбрала, Ду ответила: «Задумываясь о будущем, наша цель — революция в одежде и стратегиях изменений. Чтобы не только удовлетворить нашу насущную и острую потребность в реставрации за счет инноваций и полезности, но и превзойти это в геометрической прогрессии».

Одежда, или произведение искусства, сочетает в себе застывшие движения драпировки и неструктурированных материалов, чтобы создать размерный контраст между одеждой и негативным пространством, которое она создает.«Присутствие и отсутствие света и теней делают мягкий спектр видимости между светимостью, прозрачностью, полупрозрачностью, отражательной способностью и непрозрачным свечением», — утверждает Иззи.

Дизайнер рассказывает нам, как она хочет осчастливить людей своими творениями, вызывая сильные эмоции «в чрезмерно возбужденном мире». Ее работа — это физическое сохранение мгновений, ее внешнее выражение в отказе от физических ограничений традиционной одежды и призыв к нюансам и творчеству. Она решает эту задачу по одной коллекции за раз.

Ryunosuke Okazaki (@ryunosuke.okazaki)

Родившийся в Хиросиме, Ryunosuke Okazaki является японским дизайнером высокой моды, проживающим в Токио, который воплощает трагическую историю своего родного города в своих авангардных проектах. Он окончил Токийский университет искусств в 2021 году и с тех пор создал поразительные работы, в которых высоко ценится японская культура.

Окадзаки представил свой дебютный показ на Неделе моды в Токио в начале прошлого года, посвященный таким радикальным темам, как «Молитва», «Дзёмон-Дзёмон» и «Автоматизм».Все его предыдущие работы составили его дебютный сборник под названием «000». Первый показ Окадзаки на подиуме повторяет темы его работ, начиная с учебы в университете и заканчивая его последними работами.

Его выпускная коллекция под названием «Дзёмондзёмон» черпает вдохновение, как вы уже догадались, из керамики эпохи Дзёмон и синтоизма, древней японской религии. Керамика Дзёмон использовалась для передачи надежды на жизнь и страха смерти, которые дизайнер переосмыслил для своей коллекции. Витрина — это ода жителям Хиросимы, которые вели мирную жизнь.

Эти идеи воплощаются в силуэтах его глиняной посуды, использовании ребристых материалов и легкого трикотажа. Эластичные свойства ткани вшиты в костяную ленту или переплетены, чтобы создать красивые изогнутые и жесткие линии, напоминающие керамику Дзёмон.

Мир является преобладающей частью Хиросимы и включен в их молитвы. Дизайнер — один из них. Оказаки объясняет: «По мере того, как я продолжал работать над темой «Молитвы о мире», меня заинтересовала глубина взаимоотношений между людьми и молитвой.

Акт поиска Бога в природе и акт молитвы являются распространенными аспектами в японской культуре и могут быть прослежены до столетий назад, говорит Окадзаки: «Я чувствую, что это один из самых примитивных актов в наших отношениях с природой. », — добавляет он, — «Меня вдохновляют идеи и украшения, возникшие в результате этих отношений между природой и человеком». Так родилась его коллекция «Контуры природы», поклонение природе через формы, повторяющие органические формы, найденные все вокруг нас.В этой линии сосуществуют очертания, подчеркивающие лепесткообразные цветы, богатые оттенки насекомых и движений морских обитателей. Описывая эту коллекцию, Оказаки говорит: «У людей, одетых в элементы природы, в их голове оживает образ объятия природы, подражания природе и возвращения к природе, которая циркулирует». Действительно, одежда творца, кажется, оборачивает тело таким образом, что сливает его с контурами природы.

Его последняя коллекция, получившая название «Автоматизм», состоит из восьми скульптурных предметов одежды, вдохновленных сюрреалистическим художественным методом автоматизма — в частности, автоматическими экспериментами Андре Бретона.Выкройки и формы одежды создаются на швейной машине Окадзаки, поскольку дизайнер предпочитает не делать наброски, потому что это ограничивает его воображение. Вместо этого он играет с цветами и формами; тем не менее его творения не произвольны. Каждое изделие рассматривается с особой тщательностью, начиная с материала и заканчивая цветовой палитрой.

Этикетка — это не только модный бренд, но и место, где дизайнер может выражать личные и художественные идеи через одежду; его любовь к природе, его интриги с Богом и религией, его идеи мира и его исследования людей и молитв.Глядя на его работы, мы видим связь и чувства, воплощенные в каждом произведении. Мы погружаемся в природу и эмоции дизайнера, нереальные, но органичные.

Авангард | Тейт

Авангард — изначально французский термин, означающий по-английски авангард или авангард (часть армии, которая идет вперед впереди остальных). Впервые оно появилось применительно к искусству во Франции в первой половине девятнадцатого века и обычно приписывается влиятельному мыслителю Анри де Сен-Симону, одному из предшественников социализма.Он верил в социальную силу искусства и видел в художниках, наряду с учеными и промышленниками, лидеров нового общества. В 1825 году он писал:

Начало авангарда

Можно сказать, что авангардное искусство началось в 1850-х годах с реализма Гюстава Курбе, на которого сильно повлияли ранние социалистические идеи. За этим последовали последовательные движения современного искусства, и термин авангард является более или менее синонимом модерна.

Некоторые авангардные движения, такие как кубизм, например, были сосредоточены в основном на инновациях формы, другие, такие как футуризм, Де Стиль или сюрреализм, имели сильные социальные программы.

Развитие авангарда

Хотя термин «авангард» первоначально применялся к новаторским подходам к созданию произведений искусства в девятнадцатом и начале двадцатого веков, он применим ко всему искусству, которое раздвигает границы идей и творчества, и до сих пор используется для описания искусства, которое является радикальным или отражает оригинальность видения.

В понятии авангарда закреплена идея о том, что об искусстве следует судить прежде всего по качеству и оригинальности видения и идей художника.

Двигатели и шейкеры

Из-за своего радикального характера и того факта, что он бросает вызов существующим идеям, процессам и формам; авангардные художники и произведения искусства часто идут рука об руку с полемикой. Прочтите подписи к работам ниже, чтобы узнать о потрясениях, которые они вызвали.

Современное искусство и авангард – 2022

Наличие:

Местоположение Внутренние Международные
Онлайн
2

3 Описание устройства 90

Исследует вопросы, занимающие центральное место в происхождении современного искусства и авангарда.Наступление современности внесло радикальные изменения в производство и интерпретацию изобразительного искусства. Студенты изучат причины и последствия этих изменений и в процессе ознакомятся с ключевыми политическими и теоретическими вопросами, касающимися наследия модернистских идеологий.

Содержимое блока

  • Современность, капитализм и авангард
  • Ремесло как изобразительное искусство
  • Примитивизм и колонизация
  • Эстетика абстракции
  • Утопические видения: искусство как социальная критика 90 182
  • Художественно-технологическая репродукция

Результаты обучения

Результаты обучения по единицам выражают достижения в обучении с точки зрения того, что учащийся должен знать, понимать и уметь делать по завершении единицы.Эти результаты соответствуют атрибутам выпускника. Единичные результаты обучения и атрибуты выпускника также являются основой для оценки предшествующего обучения.

По завершении этого модуля учащиеся должны уметь:
1 распознавать различные визуальные языки и эстетические философии модернизма Западные и незападные культуры
3 описывают ключевые социально-политические факторы, влияющие на ряд практик модернистского искусства исследования

По завершении этого раздела учащиеся должны уметь:

  1. распознавать различные визуальные языки и эстетические философии модернизма
  2. формулировать отношения между авангардом и современностью в западной и незападной культурах
  3. описать ключевые социально-политические факторы, повлиявшие на ряд практик модернистского искусства
  4. продемонстрировать понимание навыков академического письма, информационной грамотности, библиотечных и онлайн-исследований

Предписанные тексты

Предписанные тексты могут измениться в будущих учебных периодах.

Уведомление

Интенсивные предложения могут быть запланированы или не запланированы на каждый учебный период. Пожалуйста, обратитесь к расписанию для получения дополнительной информации.

Университет Южного Креста использует различные методы обучения в рамках своих подразделений, чтобы дать студентам возможность гибко выбирать способ обучения, который им больше всего подходит. Преподаватели SCU стремятся использовать новейшие подходы, поэтому формы обучения и материалы могут меняться. Самая актуальная информация о модуле будет предоставлена ​​зачисленным студентам в начале периода обучения.

Курсы, поддерживаемые Содружеством
Для получения информации о суммах студенческих взносов посетите раздел «Суммы студенческих взносов».

Немецкий авангардный дизайн 1980-х: Pentagon Group с Беатой Кун — Выставки

о

Компания Demisch Danant рада объявить о своей второй микро-презентации:  Немецкий авангардный дизайн 1980-х годов: Группа Пентагона с Беатой Кун .Pentagon Group и Беата Кун, хотя и используют очень разные практики, дополняют друг друга в том, как они обе обращаются к искусству и дизайну в постмодернистской Германии. Каждой их работе присуща поэзия в дизайне, эмоционально заряженная и материально выразительная.

1980-е годы были реакционным периодом, когда дизайнеры стремились освободиться от ограничений функциональности и больше обратиться к изобразительному искусству, чтобы включить повествование и эмоциональное содержание.Немецкие дизайнеры под влиянием свободного самовыражения, установленного итальянскими движениями Алхимия и Мемфис, разработали свой собственный дизайнерский словарь и эстетическую производную от разделенного немецкого постмодернистского опыта.

Движение «Новый немецкий дизайн» создало внутри себя различные «школы» или группы в зависимости от географического положения и конкретных влияний. Общим для разных групп было отчетливое ощущение себя, которого раньше не было в классическом немецком дизайне.Используя обычные материалы, которые были недорогими и легко доступными, в результате получилась сырая, суровая эстетика с безошибочной энергией. Благодаря своей жестокой честности, новый немецкий дизайн 80-х остается незамысловатым, освежающим и действительно отражает социальные условия, в которых он возник.

Pentagon Group , коллективная группа художников из Кельна, основанная в 1985 году, придерживалась конструктивистского подхода с более строгими минималистскими формами. Пятеро членов группы — Вольфганг Лаубершаймер, Райнхард Мюллер, Мейер Фоггенрайтер, Ральф Зоммер и Герн Аренс — сами по себе не были дизайнерами, но все имели художественное образование, мастера своего дела.Их мебель была функциональной, но экспериментальной и необработанной, бросая вызов царству постмодернистского дизайна.

Беате Кун , одна из самых важных фигур в послевоенном немецком керамическом искусстве, работавшая с 1950-х годов, также придерживалась реакционного подхода к послевоенной керамической практике и традиционному немецкому современному дизайну. С 1960-х годов она была одним из первых гончаров в Германии, отказавшихся от утилитарной работы в пользу чисто художественной. На работы Кун сильно повлияла природа, и она описала их как абстрактные интерпретации естественных форм.Даже ее менее фигуративные работы вызывают в воображении ассоциации с подводным миром, кораллами и морскими растениями, природой в нашем окружении, ветвями кустарников, стволами деревьев, цветами или другими растениями. Аддитивные группировки часто отражают естественные закономерности жизненного процесса, роста и ритмических изменений.

Беседа

 

Разговор между
Феликс Буррихтер,
Рафаэль де Карденас и Джейсон Жак
с Сюзанной Демиш

Среда, 16 мая 2018 г.
18:00–20:00


Феликс Буррихтер, Главный редактор ,  Журнал Pin-Up
Рафаэль де Карденас,  Architecture At Large (RDC/AAL)
Галерея Джейсона Жака 0 Жака 90 0 251  

 

GROHE награждает студентов-дизайнеров школы дизайна Art’Com Sup в рамках своей программы Design Series – статья Inc

х

Конфиденциальность и файлы cookie

Этот сайт использует файлы cookie.Продолжая, вы соглашаетесь на их использование. Узнайте больше, в том числе о том, как управлять файлами cookie.

Понятно!

В рамках своих постоянных усилий по поддержке и инвестированию в студентов университетов компания GROHE, ведущий мировой поставщик сантехнического оборудования, в партнерстве со школой дизайна Art’Com Sup впервые представила в Марокко программу GROHE Design Series.

 

Три победителя были объявлены во время финальной церемонии, которую возглавила Лина Варитимиду, директор по связям с общественностью и коммуникациям Grohe, Восточное Средиземноморье, Ближний Восток и Африка, в присутствии представителей высших учебных заведений и студентов.

 

Региональная программа GROHE была запущена в 2012 году для поощрения, поддержки и поощрения успешных работ студентов университетов в области дизайна. Программа, запущенная в Ливане и развернутая во многих странах, включая Турцию, ОАЭ и Египет, направлена ​​на предоставление учащимся возможностей, которые бросают вызов и максимально раскрывают их индивидуальные таланты, способствуя обучению на протяжении всей жизни.

 

Подчеркнув стремление GROHE поощрять и поддерживать молодых специалистов в области дизайна, Лина Варитимиду, директор по связям с общественностью и коммуникациям Grohe, Восточное Средиземноморье, Ближний Восток и Африка, сказала: «Это стратегическое партнерство с Art’com демонстрирует нашу приверженность образованию и воспитанию молодые дизайнерские таланты в регионе MENA.Мы очень рады, что у нас была возможность сотрудничать с Art’Com, и мы с нетерпением ждем возможности приветствовать его студентов в наших офисах».

 

Программа стартовала с представления последних инноваций GROHE в области качества, технологий и дизайна в области ванных комнат и кухонь. Студенты старших курсов факультетов дизайна интерьера и цифрового графического дизайна имели возможность познакомиться с последними тенденциями GROHE и были ознакомлены с потоком программ в рамках подготовки к конкурсу Design Series, который проходил в течение 2017–2018 учебного года.

 

В рамках конкурса «Культурная значимость международного бренда» студентам Art’com Sup было поручено разработать домашний спа-центр с использованием продукции GROHE GRANDERA. У студентов была возможность обменяться идеями, спроектировать и разработать проект с помощью экспертов GROHE, чтобы генерировать авангардные дизайнерские идеи.

 

«Мы хотели бы поблагодарить компанию GROHE за выбор нашего университета для первой демонстрации Design Series в Марокко». Саид Захия Бенабдельджалил, директор Art’Com Sup.«Серия «Дизайн» — это профессиональный опыт очень высокого уровня для наших студентов, который побуждает их улучшать качество жизни с помощью дизайна. Мы доверяем инновационным идеям, творчеству и энтузиазму наших студентов и очень гордимся результатами», — заключила она.

 

После нескольких месяцев общения и обсуждений жюри выбрало трех студентов для прохождения престижной летней практики в различных подразделениях GROHE. Все расходы были оплачены в качестве главного приза.

 

«Мы очень довольны нашим сотрудничеством.Работа, представленная студентами, действительно вдохновила и вселила нашу уверенность в будущие поколения дизайнеров в Марокко», — заключила Лина Варитимиду.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.